Arte Publico

El arte público son trabajos de arte de cualquier medio, planeados y ejecutados con la intención específica de la localización, o para el dominio público, generalmente exterior y accesible a todos.

El término de arte publico es especialmente significativo dentro del mundo del arte, como una práctica de funcionamiento particular, a menudo con implicaciones de arte en un lugar específico, para que la comunidad pueda colaborar en su trabajo. 

El término a veces también se aplica para incluir cualquier obra que se exhiba en algún espacio público, incluyendo edificios públicos accesibles.

El arte público ha sido desde hace tiempo una parte relevante del desarrollo de las artes en varias partes del mundo y en diversas épocas. Empezando por las catedrales góticas de la edad media. 

La relevancia del arte público hoy en día se da, como una lucha entre la estancia del arte en sus antiguos establecimientos: museos, galerías, salones privados, etc., sin que sea posible el disfrute de ellos por el resto de la sociedad.

El arte público se ha caracterizado por poseer una gran fuerza política, esto es básico, pues al ser y estar destinada a un espacio público, se convierte en una práctica política.

El arte público puede estar instalado generalmente con la autorización y la colaboración del gobierno o de la compañía que tiene los derechos o administra el espacio.

Tipos de arte publico

Esculturas: Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera y otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.​

Grafitis: El grafiti es el arte de expresión callejero que impulsa y manifiesta diferentes pensamientos en las vías; luego este arte urbano empieza a tomar diversas formas y estilos y así mismo se empieza a extender por muchos países del mundo.

Obras performáticas: La performance se ha desarrollado a lo largo de los años como un género propio, cuya obra necesita la presencia y ejecución de propio artista.

Muralismo: El muralismo es la técnica que consiste en el desarrollo de obras artísticas en los muros. 

El arte no vive solo en museos y galerías especializadas. De la mano de talentosos muralistas, se cuela en el alma de las ciudades y aparece a la vuelta de la esquina. 

Las paredes hablan. Desde tiempos prehistóricos, el ser humano ha apelado a estas estructuras como medio de expresión, plasmando sus creencias, ideas y sentimientos en ellas. 

Arte cinético: El arte cinético es una corriente de arte en el que las obras tiene movimiento perceptible por el espectador o que depende del movimiento para su efecto. 

Tipos de arte cinético

Los tipos de arte cinético se clasifican según el tipo de movimiento, y por ello, agrupan por igual expresiones tridimensionales y bidimensionales:

• Obras de movimiento real, dinamizadas por diversos tipos de mecanismos.
• Obras de movimiento virtual, que generan la percepción óptica del movimiento.

Escultura cinética: es la expresión más destacada de esta corriente. A diferencia de las esculturas tradicionales, sólidas y estáticas, las cinéticas son estructuras dinámicas. 

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Heidy Reyes

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Vanguardias Artísticas

Las vanguardias artísticas son los movimientos rupturistas de las artes plásticas que surgieron a partir del siglo XX. Su objetivo era expresar los nuevos tiempos por medio de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico.

Contexto histórico de las vanguardias artísticas

En el siglo XIX, Europa se movía en un escenario de transformación y tensiones políticas, económicas y sociales. Todas derivaban de la revolución industrial, el capitalismo, el imperialismo, el nacionalismo, la masificación de la sociedad y la secularización.

Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine, supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte occidental se dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se dedicaría en la “era de la reproductibilidad técnica de la imagen”?

Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de encontrar un nuevo sentido al arte, así como la voluntad diferenciadora de estilo. Esto se expresó en el impresionismo, el postimpresionismo, el expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar de sus innovaciones, estos movimientos aún estaban atados a ciertas prerrogativas del arte tradicional.

Características de las vanguardias

• Ruptura con la tradición
• Rechazo del naturalismo en el arte
• Lenguaje plástico original
• Espíritu libertario
• Espíritu de provocación
• Introducción del humor y del sarcasmo
• Proclamación de la autonomía del lenguaje plástico
• Justificación por medio de manifiestos
• Carácter conceptual
• Influencia del arte no occidental
• Breve duración

Movimientos vanguardistas

Cubismo: rompe con la representación tradicional de la perspectiva y la forma, fragmentando los objetos en geometrías simples.

Futurismo: ensalza la velocidad, la tecnología, el movimiento y la modernidad. Rechazo del pasado y el arte tradicional.

Abstracción lírica: expresión emocional y subjetiva sobre la representación figurativa por medio de colores, formas y líneas para crear atmósferas y sensaciones.

Dadaísmo: se vale del humor, la sátira y el absurdo para criticar la sociedad y el arte, para romper con la estética tradicional.

Constructivismo: prioriza el uso de objetos tridimensionales y de materiales industriales como rechazo del arte decorativo y buscando la funcionalidad.

Suprematismo: su objetivo es alcanzar la esencia pura del arte a través de la utilización de formas geométricas básicas.

Neoplasticismo: formas geométricas planas y colores primarios para transmitir armonía y equilibrio visual.

Surrealismo: rompe con la lógica y la razón, creando imágenes oníricas y extrañas.

Expresionismo abstracto: expresión emocional que transmite estados de ánimo.

Pop art o arte pop: crea obras de arte que reflejan la sociedad de consumo a través de imágenes de la cultura popular.

Op art o cinetismo: genera efectos visuales de movimiento, vibración o ilusión óptica a través de patrones, líneas y colores.

Happening: obras que involucran al público en una experiencia sensorial y participativa

Arte conceptual: obras que priorizan las ideas mediante una propuesta que invita a la reflexión.

Performance: utilizan el cuerpo del artista como medio de expresión

Hiperrealismo: representación extremadamente realista, crear imágenes que parecen fotografías.

Minimalismo: elimina los elementos decorativos o superfluos para alcanzar la simplicidad.

Línea del tiempo de las vanguardias artísticas

Video sobre las vanguardias artísticas del siglo XX

https://www.youtube.com/watch?v=lTacwtih6a8

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Heidy Reyes

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Principales hitos de la historia de las artes visuales

Historia de las artes visuales  

Las artes visuales se han desarrollado a lo largo de la historia de la humanidad, reflejando las diferentes culturas, épocas y estilos que han existido. 

El objetivo de las artes visuales es comunicar un mensaje, una emoción, una idea o una visión del mundo a través de la imagen, también pueden tener fines decorativos, educativos, sociales o políticos. 

Las artes visuales se originaron a finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando los artistas europeos que habían emigrado a Nueva York comenzaron a experimentar con nuevas técnicas y materiales, buscando una mayor libertad expresiva y formal. Estas corrientes artísticas se inspiraron en las vanguardias de finales del siglo XIX y principios del XX. El concepto de artes visuales se popularizó desde la década de 1980 y se utilizó para describir las tendencias dentro del arte contemporáneo.

Característica 

Entre las características propias de las artes visuales encontramos tanto la apropiación, como el intercambio de elementos. El artista toma elementos o estilos, propios de otras corrientes, movimientos e, incluso, épocas, y los incorpora dentro de sus composiciones de una manera novedosa.

Aunque pertenezcan a la misma categoría, cada corriente artística posee sus propias técnicas o estilos. La apropiación proporciona a las artes visuales la capacidad de emplear cualquier material, objeto, herramienta o técnica con el fin de ofrecer al público una experiencia única.

Principales hitos de la historia de las artes visuales

El arte rupestre

Se remonta a decenas de miles de años y representa las primeras manifestaciones artísticas de la humanidad. Se trata de pinturas o grabados sobre las paredes de las cuevas o las rocas, que muestran escenas de la vida cotidiana, animales, figuras humanas o símbolos abstractos.

El arte clásico 

Se desarrolló en las antiguas civilizaciones de Grecia y Roma, entre los siglos VIII Se caracterizó por la búsqueda de la belleza, la armonía, el equilibrio y la proporción, así como por el uso de la perspectiva y el realismo.

El Renacimiento

Se produjo entre los siglos XV y XVI en Europa, especialmente en Italia. Fue un movimiento cultural que recuperó los valores del arte clásico y los combinó con el humanismo, el interés por la naturaleza y la ciencia. Algunos de los artistas más importantes fueron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael o Botticelli.

El arte contemporáneo

Abarca desde principios del siglo XX hasta la actualidad. Se trata de un conjunto de tendencias artísticas que exploran nuevos medios, técnicas, materiales y conceptos, cuestionando los límites del arte y su relación con el espectador. Algunas corrientes son el cubismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto, el pop art, el minimalismo, el arte conceptual o el arte digital.

Video sobre la historia del arte

https://www.youtube.com/watch?v=rUHxLrZwSIY

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Heidy Reyes

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cuyas obras solo pueden ser percibidas y disfrutadas a través

de la vista humana

Tipos de artes aplicadas

 Diseño de joyas

La práctica del diseño se desarrolla sobre un fundamento científico, técnico e industrial, por lo que queda excluida la definición para referirse a la artesanía de joyas.

Involucra el diseño de materiales a veces difíciles de trabajar como piedras preciosas y metales como el oro y la plata.

Diseño de moda

El diseño de moda se encarga de la creación de ropa y de accesorios en función de las influencias culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del creador, según su talento y sus conocimientos.

El arte de diseñar atuendos y accesorios que sean estéticamente agradables así como funcionales.

Arquitectura 

La arquitectura es el arte y la técnica de proyectar, diseñar y construir,​ modificando el hábitat humano, estudiando la estética, el buen uso y la función de los espacios, ya sean arquitectónicos, urbanos o de paisaje.

En arquitectura la ornamentación, molduras y parte del diseño de interiores puede considerarse un arte aplicada.

Diseño industrial

El diseño industrial es una actividad proyectual de diseño de productos seriados o industriales, que podemos diferenciar en dos tipos: bienes de consumo y bienes de capital. Los elementos necesarios para complementar espacios o para realizar diferentes actividades.

Artesanías en madera

La artesanía en madera como arte, es una forma de expresión a través del tallado, que es una técnica realizada mediante un cuchillo de talla. Para poder ejecutar correctamente la técnica del tallado se necesita mucha paciencia y dedicación. Cualquier objeto hecho de madera, pueden ser muebles como objetos decorativos.

Diseño de interiores

El diseño interior es la disciplina proyectual involucrada en el proceso de formar la experiencia del espacio interior, con la manipulación del volumen espacial así como el tratamiento superficial.

Es el arte de planificar el diseño, estilo y disposición de un espacio arquitectónico. Esto incluye amueblamiento del lugar y muchos otros factores.

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Heidy Reyes

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Artes plásticas

 

Las artes plásticas son aquellas artes que utilizan materiales capaces de ser modificados o moldeados por el artista mediante distintas técnicas para crear una obra. 

Son aquellas manifestaciones del ser humano que reflejan, con recursos plásticos, algún producto de su imaginación o su visión de la realidad. Se refiere el término de manera más amplia a las artes visuales para diferenciarlas del arte musical, de la danza, la literatura o del teatro.

Cuando hablamos de artes aplicadas nos referimos a la amplia área de actividad que realizan diseñadores y artesanos, es decir, aquellos que reflejan y trabajan la forma y función de todo lo que rodea al individuo: objetos, hábitat, vestimenta etc.

Incluidas dentro de las bellas artes, ​ el término 'artes plásticas' aparece a principios del siglo xix para referirse a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la orfebrería, la artesanía y la pintura mural.

Los conceptos de artes plásticas y artes visuales

Las artes aplicadas son parte de las artes visuales y puede ser definidas como un arte que tiene más aplicación práctica así también como funcionalidad que estética.

No debe confundirse con las artes visuales (producción de un solo objeto original en pintura, escultura, arquitectura) pero es una buena parte de las bellas artes.

A partir de los movimientos artísticos que se fueron desarrollando durante el siglo xx, el concepto de artes plásticas comenzó a cambiar. Nuevas propuestas artísticas como el arte encontrado hicieron cuestionar si es necesario modificar un u otro material para obtener una obra de arte. 

A mediados del siglo xx se comenzó a utilizar el término artes visuales, que engloba el de artes plásticas y todos los nuevos medios. Las artes visuales añaden otros recursos como puede ser el sonido, el vídeo, la informática, la electrónica, etc., para crear obras o propuestas artísticas.

 Conceptos en artes plásticas

El artista plástico es la persona que se dedica profesionalmente al desarrollo de este tipo de arte. En algunos casos el artista se vale de varias disciplinas artísticas a la vez. Esto ocurre porque el artista aplica sus conocimientos para realizar sus obras con diferentes materiales, medios, técnicas y objetivos.

En las artes aplicadas ya no es un artesano quien fabrica un solo objeto, sino un “diseñador”: creador que primero hace un prototipo y luego, tal vez, si el objeto es relevante, un molde para que su invención o la innovación se duplica de forma idéntica en varias copias (noción de serie).

La tecnología en evolución combinada con la necesidad de rentabilidad es una estandarización de los procesos de fabricación de los productos del arte aplicado. La creación, sigue siendo el hecho del estilista, el diseñador es el profesional de las artes aplicadas.

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Heidy Reyes

Dios les bendiga 

 

Componentes culturales presentes en obras visuales dominicanas

 Arte dominicano

En República Dominicana, a lo largo de la historia de la pintura, hombre, paisaje y habitad, han sido trabajado por muchos artistas

con el deseo de reproducir fielmente nuestra realidad.

Una variedad compleja de investigaciones artísticas, arqueológicas, antropológicas, folklóricas, artesanales y socio-históricas, han servido y aún sirve de base al conocimiento del arte dominicano.

 Identidad cultural dominicana

Las investigaciones entorno a la identidad cultural dominicana se justifican en la producción artística, a partir de rasgos generales y específicos. 

También a partir de una determinación sociocultural, a la vez que de una particularidad de la producción artística dominicana (pintura, escultura, dibujo, gráfica). 

Toda la diversidad y la convergencia estilística del arte dominicano se expresa en tiempo y en espacio. Imágenes globales, imágenes particulares, representaciones visuales y otros productos genéricos, diferenciales que van articulando en proceso la idea de una conformación artística y estética propiamente dominicana.

Pinturas Costumbristas

Es la representación pictórica en cualquiera de los diversos medios de escenas o eventos de la vida cotidiana, como mercados, entornos domésticos, interiores, fiestas, escenas de posadas, trabajo y escenas callejeras.

Las principales características del costumbrismo son: Representación de las costumbres típicas de un país o región, es decir, las distintas sociedades donde se desarrolla el autor. 

La muestra, que presenta una particular manera de ver y plasmar las gentes y el paisaje, sitúa su producción entre el realismo y la pintura Taif, aportando una gracia especial a algunos de sus tratamientos de marinas, campesinos y casas rurales.

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Heidy Reyes

Dios les bendiga 

Mensaje que transmite el color en las artes visuales

 

El color juega un rol trascendental en el arte gráfico, siendo un lenguaje que transmite mensajes tan potentes como los que transmiten las imágenes y las tipografías.

La psicología del color en el arte está asociado a las emociones, aliado a cada artista para hacer uso de él como un elemento fundamental en sus obras.

Los colores y las emociones son elementos que se encuentran relacionados, de esta manera un color rojo lo usará para reflejar pasión mientras uno azul calma, consiguiendo así generar un lenguaje gráfico que permite conectar al artista con nuestra forma en que este percibe el mundo.

                                                                    Nuestra relación con los colores es muy alta y consigue transmitirnos todo tipo de sensaciones, desde la alegría a la pesadumbre, la amistad o la codicia, serenidad o nerviosismo, frío o calidez, todo tiene cabida cuando de colores se trata.

La psicología del color es el campo de estudio que analiza cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos, con respuestas primitivas y asociaciones instintivas que han ido evolucionando a lo largo de los años según cada cultura.

De ahí que en el arte use esta herramienta como arma para llegar al espectador, siendo importante escoger el color adecuado para potenciar o transmitir una sensación o una idea, cambiar nuestra percepción, alterar nuestros sentidos, emocionarnos, e incluso el poder de convencernos para que tomemos cierta decisión.

Cuando el artista va a crear cualquier tipo de arte conoce desde un primer momento lo que está buscando representar para así poder traducir ese mensaje de forma gráfica mediante el uso del color, que tienen la cualidad de ser una abstracción sensible, un vínculo tácito entre las ideas y los afectos, un canal sensorial de múltiples estímulos y fácil dominación.

Podemos agrupar los colores en dos grupos principales:

Colores Cálidos: son aquellos que más se acercan al fuego y al amarillo, son colores que transmiten más energía.

Colores Fríos: son aquellos que más se acercan al mar y al azul, estos colores transiten calma y tranquilidad.

Saludos,

Heidy Reyes

Dios les bendiga