Grafiti

Se llama grafiti, graffiti o pintada a un modo de pintura o arte visual callejero, por lo general ilegal o paralegal, que es generalmente realizada en superficies amplias de espacios urbanos: paredes, portones, muros, etc.

Suele oscilar entre ilustraciones más o menos abstractas, hasta mensajes escritos y otras formas de intervención mediante la pintura, generalmente en esténcil o aerosol.

El término graffiti viene del italiano y a su vez del nombre dado a las inscripciones satíricas en espacios públicos hechas durante el Imperio Romano, conocidas como graffito, y que son su más remoto antecedente.

Este término sin embargo se popularizó enormemente a partir de su incorporación a la cultura callejera estadounidense, así como a los movimientos más o menos contraculturales del hip-hop y distintas tribus urbanas, que empleaban este tipo de forma de expresión.

Sin embargo, las pintadas de protesta han formado parte del imaginario político de las naciones contemporáneas desde hace mucho. Suele decirse que lo que callan los medios lo gritan las paredes, queriendo decir que ante los regímenes represivos que censuran la prensa, el graffiti se impone como vía de protesta.

En otros ámbitos, en cambio, se lo puede considerar una forma de contaminación visual, sobre todo los escritos menos armónicos y menos elaborados visualmente.

Por lo general el graffiti se lleva a cabo en paredes elevadas o muy visibles, a veces como un modo de marcaje territorial o de competencia por conquistar los espacios más audaces, de cara a la posible interrupción del dibujo por parte de la policía.

Además, las ilustraciones no suelen ser demasiado duraderas, ya que los espacios públicos son vueltos a pintar.

Existen tres grandes tipos de grafiti, aunque no haya un estudio formal de los mismos, ni reglas demasiado estrictas para su elaboración:

Art graffiti: Asociado a la cultura hip-hop de las décadas del 70 y 80 en los estados unidos, tiende a representar motivos más o menos abstractos, nombres (“tags” o etiquetas: nombres en clave) o mensajes recurrentes, siempre mediante un despliegue de colores y de formas que en ocasiones toma varios días terminar.

Grafiti público: Los “lemas” públicos que aparecen en una ciudad y reiteran eslóganes o mensajes políticos, más o menos satíricos o groseros, tratando de dar un mensaje a las masas. También entran en esta categoría los grafitis de protesta.

Latrinalia: Se llama así al grafiti poco elaborado, grosero y por lo general de baja ralea que predomina en baños públicos y espacios de tránsito, como puertas, ascensores, trenes, etc. Pueden ser desde confesiones de amor, amenazas, denuncias hasta intentos de poesía o de relato.

Expresiones más elaboradas del graffiti son valoradas hoy en día como una forma de intervención artística del espacio urbano, llegando a hacerse mundialmente famosas a pesar de su carácter efímero, como los diseños del anónimo grafitero británico Banksy.

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Heidy Reyes
Dios les bendiga

Arte cinético

Arte cinético o arte del movimiento es una forma de expresión visual donde la obra da una impresión de movimiento o en realidad se mueve, producto de la acción de un elemento externo que puede ser viento, agua, electricidad, motores o algún otro mecanismo. 

Entre los pioneros del arte cinético figura el estadounidense Alexander Calder (1898-1976), quien alcanzó la fama mundial con sus esculturas móviles colgantes, que tienen entre cuatro y cinco metros de altura.

Pero no fue sino hasta la aparición de Víctor Vasarely que el arte cinético no se desarrollaría plenamente como tal. Su lanzamiento oficial se vincula a la exposición "El movimiento" de la galería Denise René en París en 1955. A propósito de esa muestra, Vasarely publica el "Manifiesto Amarillo", a través del cual define los fundamentos del arte cinético que introduce el movimiento como elemento plástico dominante en una obra.

El arte cinético es una corriente de arte en el que las obras tiene movimiento perceptible por el espectador o que depende del movimiento para su efecto. Los cuadros que amplían la perspectiva del espectador de la obra de arte e incorporan movimiento multidimensional son los primeros ejemplos de arte cinético.​

Hablando de forma más pertinente, el arte cinético es un término que hoy en día se refiere más a menudo a las esculturas tridimensionales y a las figuras como móviles que se mueven de forma natural o son operadas por máquinas. Las piezas móviles suelen funcionar con viento, un motor o el observador. 

El arte cinético abarca una amplia variedad de técnicas y estilos que se superponen.

También hay una parte del arte cinético que incluye el movimiento virtual, o más bien el movimiento que se percibe sólo desde ciertos ángulos o secciones de la obra. 

Este término también choca con frecuencia con el de "movimiento aparente", que mucha gente utiliza para referirse a una obra de arte cuyo movimiento es creado por motores, máquinas o sistemas accionados eléctricamente. Tanto el movimiento aparente como el virtual son estilos de arte cinético que sólo recientemente se han argumentado como estilos de arte óptico.

Tipos de arte cinético

Escultura cinética 

Se encuentra dentro de los tipos de arte cinético más destacado dentro de esta corriente artística. Allí se pueden mostrar esculturas tradicionales. Sólidas y estáticas, donde pueden involucrar cierto dinamismo. Dentro de estas obras pueden albergar trabajos tridimensionales que a su vez poseen diversas características como:

- Pueden activarse a través de un sistema de contrapeso, vibraciones ambientales, inercia, entre otros.

- Permiten que el espectador pueda interactuar con la escultura.

- Poseen un sistema electromagnético dentro de la escultura.

- Incluyen iluminación, tanto natural como artificial para causar ese efecto óptico de movimiento.

- Pueden incluirse dentro del ambiente y se pueden concebir como parte de un espectáculo visual.

Estables

Son aquellas obras que se encuentran en una posición fija y que permite que el espectador pueda apreciarla a través de varios ángulos, otorgándole la sensación de movimiento durante la vista.

Móviles

Son aquellas que poseen un movimiento real, esto quiere decir que la obra de arte va cambiando de manera constantes a medida que pasa el tiempo, dándole al espectador una experiencia diferente conforme el tiempo transcurre.

Penetrables

Pueden ser ensambladas en espacios reales y ocupa grandes espacios. Este tipo de obras permite que el espectador pueda recorrerlas, penetrar en ellas y disfrutarla, creando así un producto lleno de movimiento, luces y colores.

Arte cinético de papel

   

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Heidy Reyes

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La semiótica en el arte

 

¿Qué es la semiótica?

La semiótica es la ciencia encargada de analizar la presencia de los signos en la sociedad. En palabras de la RAE, lo semiótico vendría a ser una teoría cuyo objeto de estudio son los signos.

La semiótica estudia todos los procesos culturales como procesos de comunicación. Por lo tanto, la semiótica en el arte permite ver a la obra artística como un texto (una red de símbolos) que demanda una interpretación o un mensaje que debe ser decodificado, y a la experiencia estética como un contacto entre la obra y el espectador (lector del texto) en el que los dos se afectan mutuamente, construyendo un diálogo.

La semiótica del arte nos enseña que el receptor/lector del mensaje estético, o texto estético, es parte fundamental de la obra.  El concepto de obra abierta hace referencia a la apertura de interpretaciones que permiten las obras de arte.

El arte, al hacer un uso creativo de los signos, se vuelve un fenómeno de comunicación altamente complejo que estimula las interpretaciones y, por lo tanto, invita a su análisis.

En realidad no existe una sola manera de interpretar una obra de arte, pues aunque cada obra establece su propio código de lectura (el idiolecto de la obra), es el lector del texto estético quien completa el significado de la obra. 

Por medio de la semiótica, el artista deja de ser la persona que le da la interpretación al objeto y delega esta función en el observador de la obra.

Incluso podemos ir más allá y considerar una interpretación como válida, independientemente de que el creador de la obra jamás pensara en ello y considerara irreal esa visión.

Una de las aportaciones de la semiótica en el arte es que nos permite ver de qué modo toda interpretación está necesariamente mediada por elementos políticos, económicos, sociales e históricos. 

Es así como vemos a obras trascender en el tiempo, con connotaciones que jamás consideraron en su momento.

Incluso, en el marco de concepciones contemporáneas como el feminismo, existen obras que adoptan una nueva perspectiva bastante interesante de analizar por medio de la semiótica.

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Heidy Reyes

Dios les bendiga

Lenguajes presentes en las formas artísticas y artesanales.

 

Lenguajes artísticos

Los lenguajes artísticos son elementos expresivos que conforman una estructura o sistema de códigos, símbolos o recursos técnicos que permiten al artista representar de forma novedosa y creativa las ideas acerca de su realidad social o personal, sus emociones y sus sueños, estableciendo comunicación con el espectador o receptor de su obra.

El lenguaje artístico es el conjunto de convenciones y códigos que emplean las distintas formas de arte para construir significados, es decir, las diferentes maneras en que el arte se manifiesta y expresa.

Los lenguajes artísticos también se conocen como disciplinas artísticas, ya que cada uno comprende un conjunto de técnicas y formas específicas para crear sentido y comunicarse a través del arte.

A diferencia de otras formas de comunicación, el lenguaje artístico genera una experiencia estética, que conmueve o invita a reflexionar sobre asuntos relacionados con la existencia humana y su forma de estar en el mundo. Por eso, los lenguajes artísticos son esencialmente subjetivos, lo que significa que su mensaje puede ser interpretado de múltiples formas.

Sin embargo, el arte maneja códigos específicos que pueden ser estudiados e interpretados de manera formal, lo que permite generar reflexiones, apreciar significados y producir ideas a partir de las obras de arte y su lugar en una cultura.

Los lenguajes artísticos forman parte del patrimonio cultural de la humanidad, ya que han existido desde nuestros orígenes. Cada sociedad, cada época y cada cultura produce sus propias formas de arte, y cada forma de arte maneja un lenguaje particular: técnicas, códigos y elementos que la distinguen, identifican y permiten reconocer y comprender las obras que se producen dentro de sus límites.

Importancia de los lenguajes artísticos

Los lenguajes artísticos constituyen una forma de expresión fundamental de la humanidad, pues son capaces de transmitir emociones, sentimientos, valores, experiencias y reflexiones de forma prolongada y cambiante en el tiempo. El hecho de que el arte perdure y pueda ser disfrutado e interpretado por varias generaciones hace de él parte esencial del legado histórico, cultural y social de la humanidad.

Tipos de lenguaje artístico

La clasificación de los lenguajes artísticos es cambiante y cada vez más compleja, gracias a las transformaciones culturales y los cruces entre disciplinas. De modo general, pueden distinguirse los siguientes tipos.

Lenguajes artísticos visuales

Los lenguajes artísticos visuales son aquellos que utilizan elementos visuales para expresarse, como formas, colores, líneas y texturas. 

Entre ellos están: 

Pintura
Escultura
Instalación
Arquitectura

Lenguajes artísticos escénicos

Los lenguajes artísticos escénicos son los que utilizan el cuerpo o la voz del artista para manifestarse. Son dinámicos, es decir, se manifiestan y desarrollan en un tiempo determinado, e implican la interacción entre el artista y el público (salvo en el caso de la música grabada). 

Los principales son:

Teatro 

Música

Danza

Lenguajes artísticos literarios

Los lenguajes artísticos literarios son los diferentes géneros que usan la palabra como medio de expresión. Entre ellos están:

Narrativa
Dramaturgia
Poesía

Elementos de los lenguajes artísticos

Cada lenguaje artístico comprende un conjunto de elementos que lo constituyen y definen. Existen elementos comunes a todos los lenguajes artísticos y otros específicos para cada una de las diversas disciplinas.

Entre los elementos comunes a todos los lenguajes artísticos, se cuentan:

Signo

Código

Contexto

Por otra parte, entre los elementos específicos para cada uno de los lenguajes artísticos, pueden mencionarse:

El color

El espacio

El movimiento

La palabra

El ritmo

El tiempo

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Heidy Reyes
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Investigación artística

La investigación artística es un enfoque de investigación que considera las prácticas artísticas como formas particulares de producción de conocimiento. 

De acuerdo con Rubén López Cano y Úrsula San Cristóbal, este enfoque "implica la reflexión crítica sobre diferentes elementos de la práctica artística, como el proceso creativo, los hábitos y estudio, las influencias teóricas y prácticas". 

Se distingue de otras formas de saber no solo por sus contenidos, sino también por sus metodologías diversas y principios epistemológicos particulares.

En las últimas décadas, la investigación artística ha tenido una amplia difusión en diversas universidades y centros de investigación, siendo así que al día de hoy existen diversas instituciones, publicaciones, congresos internacionales y proyectos que permiten considerarla como un campo académico en su propio derecho y educación.

Por otra parte, en la literatura especializada se han utilizado varios términos y expresiones para denotar la investigación artística; los más comunes son: 

- Investigación basada en la práctica

- Investigación guiada por la práctica  

- Práctica como investigación

​ La investigación basada en la práctica es una noción general y amplia que puede aplicarse cualquier forma de investigación en las artes orientada hacia la práctica. Ya que el artista trabaja con un lenguaje expresivo que atañe a los sentidos y no necesariamente con el lenguaje cognitivo, resulta pertinente hablar de una investigación artística que refleje la relación del artista con su propia práctica. 

El término investigación guiada por la práctica para denotar la investigación que está centrada en la práctica. El término más explícito de todos es "práctica como investigación", ya que expresa el entrelazamiento directo de investigación y práctica. 

La expresión “investigación artística”, que a veces se elige para destacar la especificidad de la investigación en el arte, evidencia no sólo el vínculo comparativamente íntimo entre teoría y práctica, sino que también encarna la promesa de un camino diferente, en un sentido metodológico, que diferencia la investigación artística de la investigación académica predominante.

Estrategias Metodológicas

No existe una metodología exclusiva para la investigación artística. Las estrategias, técnicas o rutas metodológicas se deben elegir a conveniencia de cada proyecto de investigación para poder responder su pregunta de investigación. De hecho, según Borgdorff11​, esta falta de una metodología estándar o propia podría ser una de las características principales de este tipo de investigación. Generalmente cada etapa del proceso requerirá una estrategia metodológica particular. 

Las técnicas y estrategias metodológicas utilizadas en la investigación artística suelen ser similares a las empleadas en la investigación académica. Los tres grandes rubros metodológicos para la investigación son: Investigación documental, métodos cuantitativos y métodos cualitativos.

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Heidy Reyes
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La pintura mural como expresión de arte público

El muralismo es un arte público con una presencia ambigua, fue una de las primeras categorías denominadas como arte público en México durante la primera mitad del siglo XX, debido a que su objetivo principal era estar destinado a las mayorías. 

Otra característica de ese género artístico para ser considerado público fue su gratuidad, implícita en actividades realizadas en lugares abiertos, aunque esto puede generar confusión porque los museos otorgan acceso gratuito a sus recintos en ciertos días, sin que eso signifique que se trata de arte público. 

También sustenta este concepto el hecho de que las manifestaciones de arte público se realizan en espacios abiertos, o las obras se ubican de manera permanente en sitios de libre acceso o a la vista.

En la actualidad, se han sumado otros géneros considerados arte público: se han ido modificando categorías, medios y soportes, con presencias intangibles como el performance o tangibles como la instalación; también se pueden encontrar en Internet, con el net art y otras expresiones digitales.

El espacio es básico para el arte público. En la noción tradicional o clásica, éste debe ser de uso común, lugares en los cuales se permita el libre acceso o en aquellos que son muy abiertos como una plaza, un parque o la calle. De acuerdo con ese principio se determina que para que haya arte público tiene que haber un lugar con esa condición de apertura.

 Es pertinente decir que también la escultura se insertó en este concepto, y junto con el muralismo se convirtieron en lo más público en el sentido artístico. Por eso había una asociación entre arte público y arte monumental.

El arte público, en este caso el muralismo, para que sea integral debe tener entre sus características un discurso claro, entendible para el espectador al que va dirigido, aunque no necesita ser obvio.

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Heidy Reyes
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